Fotografía: Cortesía Naturhistorisches Museum

A túa escultura da historia da arte, esta pequena estatuilla de pouco máis de catro polgadas de altura foi descuberta en Austria en 1908. Ninguén sabe a que función cumpría, pero as conxecturas van desde a deusa da fertilidade ata a axuda á masturbación. Algúns estudosos suxiren que puido ser un autorretrato feito por unha muller. É o máis famoso de moitos destes obxectos que datan da Idade de Pedra Vella.

Fotografía: Cortesía CC/Wiki Media/Philip Pikart

Este retrato foi un símbolo da beleza feminina desde que se descubriu por primeira vez en 1912 entre as ruínas de Amarna, a capital construída polo faraón máis controvertido da historia do Antigo Exipto: Akhenaton. A vida da súa raíña, Nefertiti, é algo misterioso: pénsase que gobernou como faraón durante un tempo despois da morte de Akhenaton, ou, máis probablemente, como correxente do Rei Tutankamón. Algún exipólogo cre que en realidade era a nai de Tut. Este busto de pedra caliza revestido de estuco pénsase que é obra de Thutmose, o escultor da corte de Akhenaton.

Fotografía: Cortesía CC/Wikimedia Commons/Maros M raz

Descuberto en 1974, o Exército de Terracota é un enorme caché de estatuas de arxila enterradas en tres enormes pozos preto da tumba de Shi Huang, o primeiro emperador da China, que morreu en 210 a. Destinado a protexelo no máis aló, cren que o Exército conta con máis de 8.000 soldados xunto con 670 cabalos e 130 carros. Cada un é de tamaño natural, aínda que a altura real varía segundo o rango militar.

Fotografía: Cortesía CC/Wiki Media/LivioAndronico

Quizais a escultura máis famosa da antigüidade romana,Laocoonte e os seus fillosfoi desenterrado orixinalmente en Roma en 1506 e trasladouse ao Vaticano, onde reside ata hoxe. Está baseado no mito dun sacerdote troiano morto xunto cos seus fillos por serpes mariñas enviadas polo deus do mar Poseidón como retribución polo intento de Laocoonte de revelar a artimaña do cabalo de Troia. Instalada orixinalmente no palacio do emperador Tito, esta agrupación figurativa de tamaño natural, atribuída a un trío de escultores gregos da illa de Rodas, non ten rival como estudo do sufrimento humano.

Fotografía: Cortesía CC/Wikimedia/Livioandronico2013

Unha das obras máis emblemáticas de toda a historia da arte, o David de Miguel Anxo tivo a súa orixe nun proxecto máis amplo para decorar os contrafortes da gran catedral de Florencia, o Duomo, cun grupo de figuras tomadas do Antigo Testamento. ODavidfoi un, e en realidade foi iniciado en 1464 por Agostino di Duccio. Durante os dous anos seguintes, Agostino conseguiu desbastar parte do enorme bloque de mármore labrado na famosa canteira de Carrara antes de parar en 1466. (Ninguén sabe por que). Outro artista colleu a folga, pero el tamén traballou nel brevemente. O mármore permaneceu intacto durante os seguintes 25 anos, ata que Miguel Anxo retomou a tallalo en 1501. Nese momento tiña 26 anos. Cando rematou, o David pesaba seis toneladas, o que significa que non se podía subir ao tellado da catedral. Pola contra, púxose en exhibición xusto fóra da entrada do Palazzo Vecchio, o concello de Florencia. A figura, unha das destilacións máis puras do estilo alto renacentista, foi inmediatamente abrazada polo público florentino como símbolo da propia resistencia da cidade-estado contra os poderes que se enfrontaban a ela. En 1873, oDavidtrasladouse á Galería da Academia e instalouse unha réplica na súa localización orixinal.

Fotografía: Cortesía CC/Wiki Media/Alvesgaspar

Recoñecido como un creador do estilo barroco alto romano, Gian Lorenzo Bernini creou esta obra mestra para unha capela da Igrexa de Santa Maria della Vittoria. O Barroco estivo indisolublemente ligado á Contrarreforma a través da cal a Igrexa Católica intentou frear a marea do protestantismo que se expandía pola Europa do século XVII. Obras de arte como a de Bernini formaron parte do programa para reafirmar o dogma papal, ben servido aquí polo xenio de Bernini por imbuir escenas relixiosas de narracións dramáticas.Éxtaseé un exemplo: o seu tema —Santa Teresa de Ávila, monxa carmelita española e mística que escribiu sobre o seu encontro cun anxo— aparece representado xusto cando o anxo está a piques de meterlle unha frecha no corazón.ÉxtaseOs matices eróticos son inconfundibles, máis obviamente na expresión orgásmica da monxa e no tecido retorcido que envolve ambas as figuras. Arquitecto como todo artista, Bernini tamén deseñou a ambientación da capela en mármore, estuco e pintura.

Fotografía: cortesía do Metropolitan Museum of Art/Fletcher Fund

O artista italiano Antonio Canova (1757–1822) está considerado como o maior escultor do século XVIII. A súa obra personificaba o estilo neoclásico, como podes ver na súa interpretación en mármore do heroe mítico grego Perseo. Canova realizou dúas versións da peza: unha reside no Vaticano en Roma, mentres que a outra está no Tribunal de Escultura Europea do Museo Metropolitano de Arte.

Fotografía: Museo Metropolitano de Arte

Aínda que o mestre impresionista Edgar Degas é máis coñecido como pintor, tamén traballou na escultura, producindo o que sen dúbida foi o esforzo máis radical da súa obra. Degas de modaA Bailarina Pequena De Catorce Anosde cera (da que se fundiron copias posteriores en bronce despois da súa morte en 1917), pero o feito de que Degas vestise ao seu suxeito homónimo cun traxe de ballet real (completo de corpiño, tutú e zapatillas) e perruca de pelo real causou sensación candoBailarínestreouse na Sexta Exposición Impresionista de 1881 en París. Degas optou por cubrir a maioría dos seus adornos con cera para combinar co resto de trazos da nena, pero mantivo o tutú, así como unha cinta que ató o seu cabelo, como eran, facendo da figura un dos primeiros exemplos de obxecto atopado. art.Bailarínfoi a única escultura que Degas exhibiu en vida; despois da súa morte, atopáronse uns 156 exemplos máis languidecendo no seu estudo.

Fotografía: Cortesía Philadelphia Museum of Art

Mentres que a maioría da xente asocia ao gran escultor francés Auguste RodinO Pensador, este conxunto que conmemora un incidente durante a Guerra dos Cen Anos (1337–1453) entre Gran Bretaña e Francia é máis importante para a historia da escultura. Encargado para un parque na cidade de Calais (onde un ano de asedio polos ingleses en 1346 foi levantado cando seis anciáns da cidade ofrecéronse para a execución a cambio de salvar á poboación),Os burguesesevitou o formato típico dos monumentos da época: en lugar de figuras illadas ou amontoadas nunha pirámide sobre un pedestal alto, Rodin reuniu os seus temas de tamaño natural directamente no chan, á altura do espectador. Este movemento radical cara ao realismo rompeu co tratamento heroico que adoitaban conceder a tales obras ao aire libre. ConOs burgueses, Rodin deu un dos primeiros pasos cara á escultura moderna.

Fotografía: Cortesía CC/Flickr/Wally Gobetz

En 1912, Picasso creou unha maqueta de cartón dunha peza que tería un impacto desmesurado na arte do século XX. Tamén na colección do MoMA, representaba unha guitarra, un tema que Picasso explorou a miúdo na pintura e na colaxe, e en moitos aspectos,Guitarratransferiu as técnicas de cortar e pegar do collage de dúas dimensións a tres. Fixo o mesmo co cubismo, tamén, ensamblando formas planas para crear unha forma multifacética con profundidade e volume. A innovación de Picasso foi evitar a talla e modelado convencionais dunha escultura a partir dunha masa sólida. En cambio,Guitarraestaba unido entre si como unha estrutura. Esta idea reverberaría desde o construtivismo ruso ata o minimalismo e máis aló. Dous anos despois de facer oGuitarraen cartón, Picasso creou esta versión en lata cortada

Fotografía: Museo Metropolitano de Arte

Desde os seus inicios radicais ata a súa última encarnación fascista, o futurismo italiano conmocionou ao mundo, pero ningunha obra exemplificou o puro delirio do movemento que esta escultura dun dos seus protagonistas: Umberto Boccioni. Comezando como pintor, Boccioni pasou ao traballo en tres dimensións despois dunha viaxe a París en 1913 na que percorreu os estudos de varios escultores de vangarda da época, como Constantin Brancusi, Raymond Duchamp-Villon ou Alexander Archipenko. Boccioni sintetizou as súas ideas nesta obra mestra dinámica, que representa unha figura a zancada situada nunha "continuidade sintética" de movemento tal e como a describiu Boccioni. A peza foi creada orixinalmente en xeso e non foi fundida na súa versión familiar de bronce ata 1931, moito despois da morte do artista en 1916 como membro dun rexemento de artillería italiano durante a Primeira Guerra Mundial.

Fotografía: Cortesía CC/Flickr/Steve Guttman NYC

Nacido en Romanía, Brancusi foi un dos escultores máis importantes do modernismo de principios do século XX e, de feito, unha das figuras máis importantes de toda a historia da escultura. Unha especie de proto-minimalista, Brancusi tomou formas da natureza e simplificounas en representacións abstractas. O seu estilo estivo influenciado pola arte popular da súa terra natal, que a miúdo presentaba vibrantes patróns xeométricos e motivos estilizados. Tampouco fixo distinción entre obxecto e base, tratándoos, en certos casos, como compoñentes intercambiables, un enfoque que representou unha ruptura crucial coas tradicións escultóricas. Esta peza emblemática é un retrato da súa modelo e amante, Margit Pogány, unha estudante de arte húngara que coñeceu en París en 1910. A primeira iteración foi tallada en mármore, seguida dunha copia en escaiola da que se fixo este bronce. O xeso en si foi exhibido en Nova York no lendario Armory Show de 1913, onde os críticos se burlaron del. Pero tamén foi a peza máis reproducida na mostra. Brancusi traballou en varias versións deMlle Poganydurante uns 20 anos.

Fotografía: Cortesía The Museum of Modern Art

Roda de bicicletaé considerado o primeiro dos readymade revolucionarios de Duchamp. Non obstante, cando completou a peza no seu estudo de París, realmente non tiña idea de como chamala. "Tiven a feliz idea de fixar unha roda de bicicleta a un taburete da cociña e ver como xira", diría Duchamp máis tarde. Foi preciso unha viaxe a Nova York en 1915 e unha exposición á gran produción da cidade de bens fabricados en fábricas para que Duchamp inventase o termo readymade. Máis importante aínda, comezou a ver que facer arte de forma artesanal tradicional parecía inútil na Era Industrial. Por que molestarse, postulou, cando os artigos fabricados amplamente dispoñibles poderían facer o traballo. Para Duchamp, a idea detrás da obra de arte era máis importante que como foi feita. Esta noción -quizais o primeiro exemplo real de Arte Conceptual- transformaría por completo a historia da arte no futuro. Moi parecido a un obxecto doméstico común, con todo, o orixinalRoda de bicicletanon sobreviviu: esta versión é en realidade unha réplica que data de 1951.

Fotografía: Whitney Museum of American Art, © 2019 Calder Foundation, New York/Artists Rights Society (ARS), Nova York

Un elemento querido da colección permanente do Whitney Museum,Circo de Calderdestila a esencia lúdica que Alexander Calder (1898–1976) levou a cabo como artista que axudou a dar forma á escultura do XX.Circo, que foi creado durante a época do artista en París, era menos abstracto que os seus "móbiles" colgantes, pero ao seu xeito, era igual de cinético: feito principalmente de arame e madeira,Circoserviu de peza central para actuacións de improvisación, nas que Calder se movía por varias figuras que representaban contorsionistas, tragadores de espadas, domadores de leóns, etc.

Fotografía: Cortesía do Museo J. Paul Getty

Como pintor e deseñador de tapices, así como escultor, o artista francés Aristide Maillol (1861–1944) podería ser descrito mellor como un neoclásico moderno que puxo un xiro simplificado do século XX á estatua tradicional grecorromana. Tamén podería ser descrito como un conservador radical, aínda que hai que lembrar que incluso contemporáneos de vangarda como Picasso produciron obras nunha adaptación do estilo neoclásico despois da Primeira Guerra Mundial. O tema de Maillol era o espido feminino, e enO Aire, creou un contraste entre a masa material do seu suxeito e a forma en que ela parece estar flotando no espazo, equilibrando, por así dicir, a física obstinada cunha presenza evanescente.

Fotografía: Cortesía CC/Flickr/C-Monster

Artista xaponesa que traballa en múltiples medios, Kusama chegou a Nova York en 1957 e regresou a Xapón en 1972. No ínterin, consolidouse como unha figura importante da escena do centro da cidade, cuxa arte tocou moitas bases, entre elas o Pop Art, o Minimalismo. e Artes escénicas. Como muller artista que adoita referirse á sexualidade feminina, tamén foi unha precursora da Arte Feminista. O traballo de Kusama caracterízase a miúdo por patróns alucinóxenos e repeticións de formas, unha tendencia enraizada en determinadas condicións psicolóxicas -alucinacións, TOC- que padece desde a infancia. Todos estes aspectos da arte e da vida de Kusuma reflíctese nesta obra, na que unha cadeira normal e tapizada está subsumida inquietantemente por un brote de protuberancias fálicas feitas de recheo cosido.

Fotografía: Whitney Museum of American Art, Nova York, © 2019 Estate of Marisol/Albright-Knox Art Gallery/Artists Rights Society (ARS), Nova York

Coñecida simplemente polo seu primeiro nome, Marisol Escobar (1930–2016) naceu en París de pais venezolanos. Como artista, asociouse co Pop Art e máis tarde o Op Art, aínda que estilísticamente non pertencía a ningún dos dous grupos. En cambio, creou cadros figurativos que se entendían como sátiras feministas de roles de xénero, celebridades e riqueza. EnMulleres e Canela asume a obxectivación das mulleres, e a forma en que se usan os estándares de feminidade impostas polos homes para obrigalas a conformarse.

Fotografía: Cortesía CC/Flickr/Rocor

The Brillo Box é quizais a máis coñecida dunha serie de obras escultóricas creadas por Warhol a mediados dos anos 60, que levaron efectivamente a súa investigación sobre a cultura pop en tres dimensións. Fiel ao nome que Warhol lle dera ao seu estudo -a Fábrica-, o artista contratou carpinteiros para traballar nunha especie de cadea de montaxe, cravando caixas de madeira en forma de cartóns para varios produtos, entre eles Heinz Ketchup, Kellogg's Corn Flakes e Campbell's Soup, como ben, xabóns Brillo. Despois pintou cada caixa dunha cor que coincida co orixinal (branco no caso de Brillo) antes de engadir o nome do produto e o logotipo en serigrafía. Creadas en múltiplos, as caixas adoitaban mostrarse en grandes pilas, convertendo efectivamente a galería na que se atopaban nun facsímil de alto nivel cultural dun almacén. A súa forma e produción en serie foi quizais un guiño ao estilo minimalista daquela nacente. Pero o verdadeiro punto deCaixa Brilloé como a súa estreita aproximación ao real subverte as convencións artísticas, ao implicar que non hai diferenza real entre os produtos manufacturados e os traballos do estudo dun artista.

Fotografía: Cortesía CC/Flickr/Esther Westerveld

O nome de Donald Judd é sinónimo de Minimal Art, o movemento de mediados dos anos 60 que destilou a cepa racionalista do modernismo ata o esencial. Para Judd, a escultura significaba articular a presenza concreta da obra no espazo. Esta idea foi descrita polo termo "obxecto específico" e mentres outros minimalistas a aceptaron, Judd deulle á idea a súa expresión máis pura ao adoptar a caixa como a súa forma de sinatura. Do mesmo xeito que Warhol, produciunos como unidades repetidas, utilizando materiais e métodos tomados da fabricación industrial. A diferenza das latas de sopa de Warhol e das Marilyns, a arte de Judd non se refería a nada fóra de si mesma. As súas "pilas", están entre as súas pezas máis coñecidas. Cada un consiste nun grupo de caixas idénticamente pouco profundas feitas de chapa galvanizada, que sobresaen da parede para crear unha columna de elementos espazados uniformemente. Pero Judd, que comezou como pintor, estaba tan interesado na cor e a textura como na forma, como se ve aquí coa laca de carrocería tintada de verde aplicada á cara frontal de cada caixa. A interacción de cores e material de Judd dáSen título (Pila)unha esidiosa elegancia que suaviza o seu absolutismo abstracto.

Fotografía: Cortesía CC/Flickr/Rocor

Como Benglis, Hesse foi unha muller artista que filtrou o posminimalismo a través dun prisma posiblemente feminista. Xudía que fuxiu da Alemaña nazi cando era nena, explorou formas orgánicas, creando pezas en fibra de vidro industrial, látex e corda que evocaban a pel ou a carne, os xenitais e outras partes do corpo. Dados os seus antecedentes, é tentador atopar un fondo de trauma ou ansiedade en obras como esta.

Fotografía: Cortesía The Museum of Modern Art

Seguindo a Judd e Flavin, un grupo de artistas apartouse da estética de liñas limpas do minimalismo. Como parte desta xeración posminimalista, Richard Serra puxo o concepto do obxecto específico en esteroides, ampliando enormemente a súa escala e peso, e facendo que as leis da gravidade sexan integrantes da idea. Creou precarios equilibrios de chapas de aceiro ou chumbo e tubos que pesaban en toneladas, que tiñan o efecto de impartir unha sensación de ameaza á obra. (En dúas ocasións, os aparejadores que instalaban pezas de Serra morreron ou mutilados cando a obra colapsou accidentalmente.) Nas últimas décadas, o traballo de Serra adoptou un refinamento curvilíneo que o fixo moi popular, pero ao principio, obras como One Ton Prop (House). of Cards), que presenta catro placas de chumbo unidas, comunicou as súas preocupacións con brutal franqueza.

Fotografía: Cortesía CC/Wikimedia Commons/Soren.harward/Robert Smithson

Seguindo a tendencia contracultural xeral durante as décadas de 1960 e 1970, os artistas comezaron a revoltarse contra o comercialismo do mundo da galería, desenvolvendo formas de arte radicalmente novas como o movemento de terras. Tamén coñecido como land art, a figura principal do xénero foi Robert Smithson (1938–1973), quen, xunto con artistas como Michael Heizer, Walter De Maria e James Turrel, aventuráronse nos desertos do oeste dos Estados Unidos para crear obras monumentais que actuaron en concerto co seu entorno. Este enfoque específico do sitio, como se deu en chamar, a miúdo empregaba materiais tomados directamente da paisaxe. Tal é o caso de SmithsonEmbarcadoiro en espiral, que se adentra no Great Salt Lake de Utah desde Rozel Point na beira nordeste do lago. Feito de barro, cristais de sal e basalto extraídos no lugar,Medidas do embarcadoiro en espiral1.500 por 15 pés. Estivo mergullado baixo o lago durante décadas ata que unha seca a principios dos anos 2000 volveu saír á superficie. En 2017,Embarcadoiro en espiralfoi nomeada obra de arte oficial de Utah.

Fotografía: Cortesía CC/Wikimedia Commons/FLICKR/Pierre Metivier

A obra firma do artista de orixe francesa,Arañacreouse a mediados dos anos 90 cando Bourgeois (1911-2010) xa tiña oitenta anos. Existe en numerosas versións de diversa escala, incluídas algunhas que son monumentais.Arañapreténdese como unha homenaxe á nai do artista, unha restauradora de tapices (de aí a alusión á propensión do arácnido a tear teas).

Shutterstock

Gañador do prestixioso premio Turner en 1994, Antony Gormley é un dos escultores contemporáneos máis célebres do Reino Unido, pero tamén é coñecido en todo o mundo pola súa visión única da arte figurativa, na que se basean amplas variacións de escala e estilo. na súa maioría, sobre o mesmo modelo: Un elenco do propio corpo do artista. Iso é certo deste enorme monumento alado situado preto da cidade de Gateshead, no nordeste de Inglaterra. Situado ao longo dunha estrada importante,Anxosobe ata 66 pés de altura e abarca 177 pés de ancho dende a punta das ás ata as puntas das ás. Segundo Gormley, a obra pretende ser unha especie de marcador simbólico entre o pasado industrial de Gran Bretaña (a escultura sitúase no país do carbón de Inglaterra, o corazón da Revolución Industrial) e o seu futuro postindustrial.

Cortesía de CC/Flickr/Richard Howe

Chamado cariñosamente "The Bean" polos habitantes de Chicago pola súa forma elipsoidal dobrada,Cloud Gate, a peza de arte pública de Anish Kapoor para o Millennium Park da Segunda Cidade, é á vez obra de arte e arquitectura, que ofrece un arco preparado para Instagram para os paseantes dos domingos e outros visitantes do parque. Fabricado en aceiro espellado,Cloud GateA reflectividade e a gran escala de diversión convértena na peza máis coñecida de Kapoor.

Cortesía do artista e Greene Naftali, Nova York

A obra de Rachel Harrison combina un formalismo consumado cunha habilidade para impregnar elementos aparentemente abstractos con múltiples significados, incluídos os políticos. Cuestiona ferozmente a monumentalidade e a prerrogativa masculina que a acompaña. Harrison crea a maior parte das súas esculturas apilando e organizando bloques ou lousas de poliestireno, antes de cubrilas cunha combinación de cemento e adornos pictóricos. A cereixa enriba é algún tipo de obxecto atopado, só ou en combinación con outros. Un excelente exemplo é este maniquí sobre unha forma alongada e salpicada de pintura. Usando unha capa e unha máscara de Abraham Lincoln cara atrás, a obra envía a teoría do gran home da historia coa súa evocación do conquistador do mundo antigo de pé sobre unha rocha cor de pallaso..